Durante un periodo limitado, las personas podían caminar sobre el agua, creando una experiencia efímera e impresionante. La obra se basó en una tragedia real y capturó la atención debido a su contenido y los materiales utilizados.

Durante 24 horas, todos los relojes se sincronizan, creando una experiencia efímera que refleja el paso del tiempo. Estas son solo algunas de las obras de arte efímero notables que han desafiado la idea tradicional de permanencia en el arte.

Cada una de ellas aporta una perspectiva única y emocionante al mundo del arte contemporáneo. E: [email protected]. Volupt Art.

Art , FrontPage , Happy Mélange. arte , arte contemporáneo , arte efimero , desaparecer , tiempo. De Sculpture: Robert Smithson Image:Soren. harward at en. wikipedia — Transferido desde en. wikipedia a Commons. Rain Room. Foto de Ars electrónica en Flickr. previous post next post. Already have an account?

Te explicamos qué es el arte callejero y cómo fue el surgimiento de esta expresión artística. Tipos de arte callejero y sus características. Cuando hablamos de arte callejero, arte urbano o street art , nos referimos a las técnicas informales de expresión artística que se dan en la calle de manera libre , a veces incluso ilegal, usualmente en las grandes ciudades.

Se trata de un tipo de intervención artística, de vida corta y que no aparece en los museos. En este tipo de expresiones artísticas se engloba tanto el grafiti célebre como forma de protesta anónima , como las plantillas o esténcil stencil y un variado número de técnicas y recursos empleados para ilustrar en paredes y otras superficies urbanas , como trenes, anuncios publicitarios, etc.

El arte callejero se maneja en una delgada frontera entre la expresión estética, política o social, con el vandalismo y otras formas de intervención ilegal de la fachada pública de las ciudades. Esto se debe a que a menudo, en su afán por visibilizar su mensaje, los artistas callejeros trepan a superficies elevadas, intervienen señales del marcaje urbano o anuncios gubernamentales, traspasan los límites de la propiedad privada e incluso, para algunos, son responsables de una forma de contaminación visual.

Por esa razón, los artistas callejeros suelen ocultar su identidad y emplear seudónimos artísticos. Diatribas aparte, este género ha sido cultivado extensamente por numerosos artistas callejeros en las principales ciudades de Occidente, pero llegando incluso a intervenir locaciones famosas del mundo, como un muro en Gaza , en la conflictiva frontera árabe israelí.

El término street art surge a mediados de los años 90, también bajo el nombre de Post-graffitti , para identificar una serie de expresiones artísticas heterogéneas y usualmente anónimas que empezaron a inundar las grandes ciudades de Occidente.

Ya existían estas técnicas como formas de protesta o de denuncia popular, de hecho a mediados de los años 60 ya se empleaban las plantillas en París.

Pero a partir de entonces empieza a convertirse en la expresión de una subcultura. Eventualmente la popularización del Post-grafiti en las distintas ciudades llevó al surgimiento de grupos locales y de artistas propios de cada ciudad , reconocibles por sus mensajes o sus personajes recurrentes.

En la actualidad muchos artistas como el británico Banksy han alcanzado tal grado de reconocimiento que han sido abordados en libros de arte e incluso se llegó a exponer de manera clandestina algunas de sus piezas.

Si clasificamos el arte callejero en base a sus técnicas empleadas, tendremos las siguientes categorías:. Puede servirte: 20 Ejemplos de arte callejero. Envíanos tus comentarios y sugerencias. Skip to content Inicio Arte.

Los simpáticos dibujos callejeros de este artista convierten las calles donde están en mágicas · Arte Efimero · Pintura Urbana · Murales De Arte Callejero El arte efímero es un tipo de arte que solo dura un corto período de tiempo y no puede ser conservado por una galería de museo como un objeto duradero. La El arte efímero urbano, como corriente de expresión de pensamiento colectivo es una fuente de generación de proyectos comunitarios en las

Arte Callejero Arte Efímero Contemporáneo - La presente compilación de ensayos y entrevistas aborda el “arte urbano”, en su definición amplia de “arte efímero realizado en el espacio público” (libre o Los simpáticos dibujos callejeros de este artista convierten las calles donde están en mágicas · Arte Efimero · Pintura Urbana · Murales De Arte Callejero El arte efímero es un tipo de arte que solo dura un corto período de tiempo y no puede ser conservado por una galería de museo como un objeto duradero. La El arte efímero urbano, como corriente de expresión de pensamiento colectivo es una fuente de generación de proyectos comunitarios en las

Esta planimetría pasó a la España musulmana , como en los jardines de Medina Azahara , de la Alhambra de Granada y del Alcázar de Sevilla.

Posteriormente surgió el agdal , mezcla de jardín y huerto, otorgando una especial importancia a los árboles frutales, con una gran alberca para irrigación, como en la villa imperial de Marrakech y el Estanque de los Aglabitas en Cairuán. En el siglo XV destacaron los jardines mongoles , como los construidos por Tamerlán en Samarcanda , con planimetría de chahar bagh «jardín cuádruple» , de forma geométrica y rodeados de muros.

Esta tipología se dio también en el Imperio mogol de la India , con ejemplos notables como Fatehpur Sīkrī y el Taj Mahal. En la Edad Media el jardín doméstico cayó en desuso, perviviendo principalmente en los recintos monásticos , donde en el claustro se solía situar un jardín y un pozo de agua, y servía de lugar de recogimiento para los monjes.

Por iniciativa de san Bernardo de Claraval surgió el llamado hortus conclusus , un tipo de jardín donde se cultivaban árboles frutales y plantas medicinales, anteponiendo el pragmatismo a la estética.

El jardín laico era de pequeñas proporciones, estructurado generalmente a partir del huerto, alrededor de una fuente o estanque, con bancos de piedra para sentarse. En algunos jardines de palacios reales surgió la costumbre de alojar animales como patos , cisnes o pavos reales , convirtiéndose algunas veces en pequeños zoológicos que podían albergar animales más exóticos, como leones y leopardos , como en el Jardín de la Reina del Palacio Real Menor de Barcelona.

En el Renacimiento la jardinería cobró un nuevo vigor, en paralelo al impulso otorgado a todas las artes en esta época, principalmente gracias al mecenazgo de nobles, príncipes y altos cargos de la Iglesia. El jardín renacentista se inspira en el romano, en aspectos como la decoración escultórica o la presencia de templetes , ninfeos y estanques.

Los primeros ejemplos surgieron en Florencia y Roma , regiones con una orografía accidentada y grandes desniveles de terreno, lo que originó el efectuar estudios previos de índole arquitectónica para planificar la estructura del jardín, originando la arquitectura paisajística. Un ejemplo de ello son los Jardines del Belvedere en Roma, proyectados por Bramante en , el cual resolvió los desniveles con un sistema de terrazas, a las que se accede por amplias escalinatas y que están rodeadas de balaustradas, esquema que pasaría a ser típico del jardín italiano.

Se otorgó una especial importancia a la obra hidráulica , con estanques y fuentes de gran complejidad, como los de la Villa de Este en Tivoli , diseñados por Bernini.

Estos diseños pasaron al resto de Europa , donde destacan por su magnificencia los jardines franceses, como los de los castillos de Amboise , Chambord y Villandry.

En Francia era costumbre subdividir el jardín en diversas zonas especializadas jardín geométrico, medicinal, silvestre , así como la construcción de canales que permitían el paseo en barca. En esta época comenzó la costumbre de recortar los setos, apareciendo los primeros jardines en forma de laberinto.

También hay que resaltar la llegada de nuevas especies gracias al descubrimiento de América , lo que favoreció la apertura de jardines botánicos dedicados al estudio y catalogación de las plantas. Durante el Barroco la jardinería estuvo muy vinculada a la arquitectura, con diseños racionales donde cobró preferencia el gusto por la forma geométrica, cuyo paradigma fue el jardín francés , caracterizado por mayores zonas de césped y un nuevo detalle ornamental, el parterre , como en los Jardines de Versalles , diseñados por André Le Nôtre.

El gusto barroco por la teatralidad y la artificiosidad conllevó la construcción de diversos elementos accesorios al jardín, como islas y grutas artificiales, teatros al aire libre, menageries de animales exóticos, pérgolas , arcos triunfales, etc. Surgió la orangerie , una construcción de grandes ventanales destinada a proteger en invierno naranjos y otras plantas de origen meridional.

El modelo de Versalles fue copiado por las grandes cortes monárquicas europeas, con exponentes como los jardines de Schönbrunn Viena , Charlottenburg Berlín , La Granja Segovia y Petrodvorets San Petersburgo.

Entre el siglo XVIII y el XIX se impuso el jardín inglés , que frente al geometrismo del italiano y el francés defendía una mayor naturalidad en su composición, interviniendo únicamente en una serie de detalles ornamentales, como templetes o pérgolas, o incluso la colocación de ruinas —naturales o artificiales—, en consonancia con los conceptos románticos de lo sublime y lo pintoresco , como en Regent's Park , de John Nash , o Kew Gardens , de William Chambers.

Gracias al colonialismo se introdujeron especies exóticas provenientes de lugares como China y la India. Los muros de cerramiento se sustituyeron por canalizaciones de agua o por grandes setos o grupos de árboles como cedros y cipreses. Se buscaba la variedad cromática, combinando árboles perennes con otros caducifolios.

En el siglo XIX tuvo un gran auge el urbanismo , con la adecuación de zonas verdes dentro de las ciudades. Se puso de moda entonces el jardín mediterráneo, que combinaba elementos clásicos con una cierta influencia del jardín islámico, como en el parque de María Luisa de Sevilla , de Jean-Claude Nicolas Forestier , el de Montjuïc de Barcelona , de Forestier y Nicolau Maria Rubió i Tudurí , o el Parque Güell de Barcelona, de Antoni Gaudí.

En el siglo XX surgió —principalmente en Norteamérica y los países del norte de Europa— el wild-landscape , tendencia que buscaba respetar al máximo la naturaleza, con extensos bosques y grandes lagos, como el Stanley Park de Vancouver y el Central Park de Nueva York.

Las últimas décadas se han caracterizado por el eclecticismo , tomando elementos de las diversas tradiciones que se han sucedido en jardinería a lo largo del tiempo, como los Jardines Billy Rose de Jerusalén , diseñados por Isamu Noguchi.

El agua es un elemento indispensable para la vida, y forma parte de la naturaleza tanto en estado líquido como sólido y gaseoso, siendo uno de los principales factores modeladores del relieve terrestre. Al ser un bien indispensable para el ser humano, desde sus orígenes ha formado parte de su visión cosmogónica del mundo, estando presente en sus ritos y siendo personificada en deidades.

El agua está presente en la vida cotidiana en múltiples aspectos, como la alimentación , la higiene , el transporte , la irrigación de campos de donde se obtienen alimentos, la obtención de energía , etc. Para su manipulación y conservación se han creado toda una serie de objetos y construcciones, desde vasos, ollas y demás objetos de menaje, hasta puentes , acueductos , termas , pozos , fuentes o estanques.

Así, al ser un elemento de una presencia constante en la vida del individuo, y dadas sus múltiples propiedades tanto sensoriales como expresivas y formales, el agua se ha convertido a menudo en un factor estético presente en diversas facetas de la creatividad humana.

El agua, como fluido, tiene como principal característica el movimiento, es un elemento que se adapta al entorno y transcurre por él, adquiriendo una dimensión temporal que no tiene otro tipo de materias. El movimiento del agua tiene en el ser humano un efecto sugestivo, fascinante, ante la observación del oleaje marino, de las ondas de un estanque o un surtidor de agua, la persona que observa siente la evocación del paso del tiempo, de un estado de trascendencia.

El agua tiene cualidades visuales y sonoras, siendo la luz uno de los principales factores en su incidencia con el medio líquido, así como las propiedades reflectoras de la superficie del agua inciden en su percepción visual.

La naturaleza del agua puede percibirse de diversas formas, siendo las principales el estado en reposo, fluir, brotar o precipitarse, factores que influyen en la velocidad y presión del agua.

Desde la prehistoria , el agua ha tenido para el ser humano una connotación sobrenatural, espiritual, como elemento purificador y generador de vida, como se constata en la ceremonia del bautismo.

El agua ha estado presente en muchos mitos y leyendas relacionadas con divinidades Osiris , Indra , Afrodita , Orfeo , Aquiles ; los griegos tenían numerosas divinidades acuáticas, desde Poseidón hasta las oceánides , las náyades , las nereidas y los tritones , o animales mitológicos como las sirenas.

En la Biblia hay numerosos pasajes relacionados con el agua, como el Diluvio Universal , Moisés separando las aguas del mar Rojo , Juan Bautista bautizando en el río Jordán , etc. Por otro lado, el carácter móvil del agua hace que sugiera un viaje, por lo que a menudo se ha identificado con el viaje de la vida, cuyo fin es la muerte.

El agua se ha relacionado igualmente con el cuerpo humano, siendo corriente en numerosas culturas el simbolismo de la mujer identificada con un vaso, un recipiente de vida. Esta relación queda ejemplificada también en las fuentes antropomorfas , y en ceremonias consistentes en verter agua u otros líquidos vino , leche sobre el cuerpo.

En numerosas religiones también es costumbre hacer abluciones purificadoras antes de orar o de acceder a espacios de culto. Una de las principales propiedades del agua es su función como elemento transformador del paisaje , gracias sobre todo a su propiedad erosiva , originando auténticas «obras de arte de la naturaleza» que, pese a su origen natural, el ser humano contempla como si fuese una realización artificial, descubriendo en la acción de la naturaleza unas obras de singular belleza: las cataratas del Niágara o del Iguazú , el Salto Ángel , los géiseres del Parque de Yellowstone , o las cuevas del Drach , son observadas por el ser humano como objetos artísticos, a los que otorga un tipo de percepción de carácter estético.

Asimismo, el agua condiciona el hábitat humano, por cuanto es un elemento indispensable para la subsistencia, por lo que desde su sedentarización en el período neolítico el ser humano ha buscado asentamientos con una constante provisión de agua, generalmente junto a ríos, fuentes o lagos.

El agua condiciona en muchos casos la construcción de edificios y viviendas, pues en su forma de lluvia también influye en la forma que deben tener, así como en canalizaciones para su evacuación y, eventualmente, recogida en depósitos. El agua ha tenido una gran relación con la arquitectura, tanto en canalizaciones de riego como suministro a las ciudades acueductos , lugares de higiene baños, termas , en su relación con los transportes puentes o su aprovechamiento como energía diques , presas , centrales hidráulicas.

Una de las primeras civilizaciones que aprovechó al máximo las propiedades del agua fue Roma, que acometió grandes obras de ingeniería y arquitectura civil buscando el máximo confort para sus ciudadanos. Otra cultura que supo sacar el máximo partido a todo lo relacionado con el agua fue la islámica, donde el agua cumple una función tanto práctica como simbólica y religiosa, especialmente en sus jardines con estanques y canales que personifican los cuatro ríos del Paraíso, y que aprovechan todos los recursos derivados del agua, tanto los visuales como los sonoros y ambientales, destacando los reflejos de arquitectura en el agua, que la duplica y magnifica.

Durante el Renacimiento se produjeron numerosos avances teóricos y prácticos, especialmente en el terreno de la hidrostática y la hidrodinámica , gracias a los estudios de Leonardo Da Vinci , Galileo Galilei y Simon Stevin.

Leonardo fue autor de un Tratado del agua , opinando que el ser humano actúa sobre la naturaleza transformándola, imitándola y dominándola.

Estos conceptos se materializaron en el jardín señorial renacentista, diseñados no solo como lugares físicos sino como espacios lúdicos y de celebración efímera, donde el agua jugaba un importante papel en forma de fuentes, estanques y surtidores, concebidos muchas veces como elementos alegóricos de exaltación de la clase dominante, que es la que puede permitirse este tipo de lujos.

En tiempos más recientes, el agua ha sido considerada un elemento más de la composición arquitectónica, estructurando los edificios conforme a su situación en la naturaleza, como parte integrante del paisaje, como la Casa de la Cascada de Frank Lloyd Wright , en Bear Run Pensilvania , o el refugio de Muratsalo de Alvar Aalto , construido sobre un lago.

César Manrique concibió una arquitectura orgánica adaptada a la isla de Lanzarote , donde vivía, poniendo especial atención en aspectos como las formaciones marinas y las aguas subterráneas, como en el complejo de los Jameos del Agua Aparte de las construcciones concebidas en un entorno acuífero, el agua puede estar presente de forma ornamental en numerosas construcciones, siendo parte resaltante del propio edificio, como en el Pabellón de Alemania de la Exposición Internacional de Barcelona , de Ludwig Mies van der Rohe.

Otro arquitecto que ha usado el agua como parte integrante de sus diseños ha sido Carlo Scarpa , como se denota en el Palacio Querini Stampalia en Venecia o el cementerio de San Vito d'Asolo Otro arte relacionado con el agua es la escultura, especialmente por lo que se refiere a fuentes y surtidores.

La ornamentación de las fuentes comenzó de forma asidua en el Renacimiento, especialmente en los jardines señoriales, donde se recreaban numerosas figuras de inspiración mitológica o alegórica, siendo frecuente además la presencia de grutas artificiales donde se solían ubicar autómatas accionados de forma hidráulica, como en la gruta del Mugnone en Pratolino , o la de los Animales en Villa di Castello.

En las ciudades italianas se construyeron grandes grupos escultóricos para decorar fuentes, como la Fuente de Neptuno en Florencia o la de Piazza Navona en Roma , costumbre que pasó al resto de países, como se percibe en las fuentes de los Jardines de Versalles , o de los Reales Sitios españoles.

Con la introducción de la electricidad a nivel urbano, entre los siglos XIX y XX, las fuentes cobraron un elemento añadido, la luz, siendo uno de los ejemplos más notables la Fuente Mágica de Montjuïc en Barcelona , obra de Carles Buïgas , que en su inauguración en asombró al público por su fantástico juego de luces y surtidores de agua; aún hoy es una obra emblemática de la capital catalana , donde suelen celebrarse espectáculos piromusicales en las fiestas de la Mercè y todos los fines de semana del año se ponen en marcha en un recital de agua, luz, color y música añadida a finales de los años En relación con las últimas tendencias artísticas, el agua ha tenido una especial relación con el arte cinético , gracias a sus propiedades maleables y de movimiento natural, pasando a ser la materia escultórica de obras concebidas expresamente para este medio, como el Ballet de los surtidores de agua de Alexander Calder para la Feria Internacional de Nueva York de , las «fuentes escultóricas cinéticas» de Naum Gabo como la del Hospital de Santo Tomás en Londres , o la obra de Gyula Kosice , uno de los artistas más interesados en otorgar movimiento a la escultura a través del agua, como en Vibración del espectro del agua , Lenguaje cifrado del agua o Hidromural móvil , en el Embassy Center de Buenos Aires.

También cabe mencionar la reciente introducción de la tecnología informática para el control de las fuentes, como la Memorial Fountain de Detroit , diseñada por Isamu Noguchi. La pirotecnia es el «arte del fuego» del griego πυρός, «fuego», y τέχνη, «arte» , realizado mediante la obtención y dominio del fuego con procesos químicos «fuegos artificiales».

Utilizada tanto en el terreno civil como el militar, hoy día la pirotecnia se asocia generalmente con celebraciones y actos festivos, donde el fuego es un medio de expresión que manifiesta —como la pintura— unos valores cromáticos, desarrollado en el espacio adquiriendo un carácter tridimensional —como la escultura—.

El espectáculo pirotécnico presenta múltiples variantes sensitivas, desde las visuales hasta las auditivas y olfativas, al tiempo que su carácter temporal lo convierte en un evento de marcada efimeridad.

El fuego ha sido desde antaño uno de los elementos que más ha atraído al ser humano, por su vistosidad y su naturaleza a la vez material y etérea, al tiempo que su función práctica como fuente de calor y para cocinar alimentos lo ha convertido en un elemento esencial en la vida humana.

Desde la prehistoria se ha asociado el fuego con la magia y con multitud de rituales y celebraciones, y muchas divinidades y personajes mitológicos están relacionados con el fuego Mitra , dios del sol y el fuego; Prometeo , que robó el fuego a los dioses para darlo a los hombres; Yahvé mostrado a Moisés como zarza ardiente.

Aún hoy en día se siguen realizando ritos relacionados con el fuego, como las hogueras de san Juan en el solsticio de verano, o la costumbre de encender velas en las iglesias o de quemar incienso , cuyo humo se considera un mediador entre el mundo terrenal y el sobrenatural.

Por otro lado, según la creencia popular el fuego espanta a los demonios y los malos espíritus, creencia que está en el origen de numerosos festivales ígnicos, como las fallas , las Hogueras de Alicante , los disparos de los trabucaires en las fiestas populares catalanas, el chupinazo de las fiestas de San Fermín , etc.

La pirotecnia es un arte temporal, que se genera y consume en un breve lapso de tiempo, requiriendo una percepción instantánea similar a la audición de la música, la lectura de una poesía o la contemplación de un espectáculo escénico. Así pues, como las otras artes ha tenido una evolución estética paralela a las formas culturales vigentes en cada período histórico: durante la Edad Media y la Moderna su concepción ha sido básicamente figurativa, basada en la iconografía del extracto cultural imperante en cada momento religión en el Medievo, mitología en el Renacimiento, exaltación áulica en el Barroco ; en cambio, en época contemporánea la pirotecnia ha tendido hacia la abstracción y la expresión cinética y gestual, como fiel reflejo de una época donde se valora más la expresividad del artista que no la realización material de la obra de arte.

En la actualidad, en el espectáculo pirotécnico se valora más la pureza del fuego de artificio que no la elaboración de unas determinadas formas, en una conjunción de luz, color, humo y sonido que crean una atmósfera especial que embriaga y seduce al espectador por sus cualidades intrínsecas, sin la necesidad de ornamentos adicionales.

Los fuegos artificiales están basados en combinaciones químicas, por lo que es esencial el dominio de esta materia para su correcta confección, debiéndose extremar el manejo de los productos pirotécnicos por parte de un personal cualificado.

La base de un fuego de artificio es la pólvora , especialmente la pólvora negra fina conocida como pulsier , pero actualmente los productos pirotécnicos llevan numerosas sustancias adicionales, como limaduras de zinc , hierro y acero , estaño , antimonio , cobre , latón , mica , cloruros , fluoruros , sulfuros , nitratos , cloratos , sulfatos , fosfatos , almidones , féculas , dextrina , azúcar , alcohol , goma arábiga , resina , polen de pino , etc.

Algunos productos sirven para dar color, como las sales de estronciana , que proporcionan color rojo; las de cal , carmín; las de sosa , verde; o las de cobre, azul. Los fuegos artificiales se pueden agrupar según su función en infantiles, fijos o aéreos, o bien en productores de ruido, luz o color, pero generalmente son combinaciones de varios de estos factores.

Entre los diversos productos pirotécnicos pueden destacarse el petardo, el cohete, la bombeta, el trueno, la carcasa, el triquitraque, el borracho, el buscapiés, el mixto garibaldi, la traca, la bengala, la rueda, los fuegos japoneses, los volcanes o fuentes, etc.

A su vez, estos pueden tener subdivisiones, especialmente los cohetes: de estrellas, subida de chispas, truenos y cabelleras, trueno y cola, gran trueno, paracaídas, culebrilla, estrellas chinescas, lluvia de oro o plata, acuáticos, roncadores, de silbidos, etc.

La pirotecnia tiene su origen en el descubrimiento de la pólvora, realizado en China hacia el siglo IX dinastía Tang , cuando diversos experimentos alquímicos dieron por resultado un material ígneo compuesto de carbón vegetal , salitre nitrato de potasio y sulfuro.

Pronto se desarrollaron las posibilidades de este compuesto, y ya en el siglo XI hay constancia de los primeros cohetes, confeccionados con una caña de bambú rellena de nitrato y atada a una flecha. La pólvora llegó a Occidente hacia el siglo XII , a través de la cultura islámica, que dio un gran desarrollo a este producto, desarrollando cohetes, tracas, bombas y luces de colores, de aplicación tanto civil como militar.

Muchas fiestas populares españolas provienen de los tiempos de la ocupación islámica, y de España se expandió el gusto por los fuegos artificiales al resto de Europa. Durante el Renacimiento la pirotecnia adquirió el valor de espectáculo popular y colectivo que tiene hoy en día, en fiestas religiosas como las procesiones y misterios o eventos cívicos y ceremonias reales.

También progresó técnica y artísticamente, uniéndose a la escenografía y otras artes del espectáculo, en representaciones donde se aunaban los fuegos artificiales con la música, la poesía y el baile. Los castillos de fuegos artificiales fueron construidos con formas cada vez más complejas, como arquitecturas, fuentes, personajes, escudos, etc.

Entre el siglo XVI y el XVII se publicaron los primeros tratados dedicados a la pirotecnia, como Pyrotechnia de Vannuzzio Biringuccio y Tratado de artillería de Diego Usano El Barroco fue una de las épocas de mayor esplendor de los espectáculos pirotécnicos, especialmente en la Francia de los Luises, donde los fuegos artificiales eran parte primordial de sus grandes festejos cortesanos.

Al fuego se añadieron entonces los juegos de agua, en combinaciones de gran fantasía y derroche de medios, y surgieron los primeros cohetes que derramaban estrellas y serpentinas, confeccionados con betún y vitriolo.

En los siglos XIX y XX la pirotecnia ha avanzado técnicamente, con efectos cada vez más sofisticados de formas y colores, siendo un elemento esencial en cualquier fiesta popular, en solitario o en combinación con otras artes, como en los espectáculos piromusicales.

Una de las fiestas donde más presente está el fuego son las fallas de Valencia , desde la despertà disparos de cohetes por la mañana , pasando por la mascletà tracas y humos de colores durante el día hasta la cremà quema de las fallas por la noche.

Otra famosa fiesta es la Patum de Berga , donde se realiza un baile de diablos cargados con cohetes y tracas, verdaderos castillos de fuego en forma humana. En Cataluña es también habitual el correfoc , una comparsa itinerante que junto a diversos personajes, gigantes y cabezudos, incluye un dragón que echa fuego por la boca.

A nivel mundial se realizan numerosos concursos y certámenes de fuegos artificiales, existiendo en Cannes un galardón la Vestal de Oro que se otorga cada cinco años al mejor espectáculo pirotécnico. La aerostación es la navegación aérea mediante aparatos menos pesados que el aire , generalmente de dos tipos: de aire caliente globo aerostático y de gas dirigible.

El ser humano ha tenido desde antaño el sueño de volar, anhelo que no pudo realizarse hasta el desarrollo de la tecnología adecuada en la era moderna. Muchos científicos y pensadores investigaron la posibilidad de sustentar al hombre en el aire: Arquitas de Tarento construyó un modelo-ave hacia el a.

Todos estos intentos fueron infructuosos hasta el siglo XVIII , donde gracias al impulso de la Ilustración la ciencia avanzó a pasos agigantados, desembocando en la Revolución Industrial. Fueron entonces determinantes investigaciones como las de Henry Cavendish , que descubrió el hidrógeno ; Joseph Black , autor de una teoría de elevación de los cuerpos ligeros mediante hidrógeno; Joseph Priestley , que descubrió un sistema de obtención del hidrógeno; y Tiberio Cavallo , que confirmó las teorías de Cavendish y Black mediante diversos experimentos.

El primer globo aerostático que se elevó del suelo con éxito el 21 de noviembre de fue diseñado por los hermanos Montgolfier , que aprovecharon los recientes experimentos realizados con el hidrógeno, un elemento más ligero que el aire.

Los experimentos de los hermanos Montgolfier, así como de Jacques-Alexandre-César Charles y los hermanos Charles y Noël Robert , sentaron las bases de la aerostación prácticamente hasta hoy en día. Su técnica se basaba en elevar un aerostato con un globo esférico de tela seda impermeabilizada con caucho hinchado con aire caliente o hidrógeno, con un sistema de lastres para equilibrar la altura.

A partir de entonces todas las investigaciones realizadas sobre la navegación aérea se sustentaron en el vuelo con aparatos más ligeros que el aire, aunque este sistema tenía el impedimento de la maniobrabilidad y direccionalidad del aparato, que se corrigió con el invento del dirigible en el siglo XIX , que volaba con gas —con el riesgo añadido de su alta inflamabilidad—, hasta las nuevas investigaciones con aparatos más pesados que el aire realizadas por los hermanos Wright , cuyo primer vuelo con éxito se efectuó en Desde el surgimiento de la aerostación se ha utilizado habitualmente esta técnica para celebraciones y espectáculos públicos, dado el carácter estético del vuelo de un globo o una conjunción de ellos, junto a la vistosidad y colorido de los elementos que integran un aerostato.

Así, el espectáculo aerostático pasó a ser parte integrante de múltiples fiestas y celebraciones al aire libre, generalmente en parques y jardines, o bien en recintos abiertos como circos, teatros al aire libre y plazas de toros, en convivencia con otro tipo de espectáculos como actuaciones circenses y ecuestres, pantomimas , prestidigitación , acrobacia y números musicales o de humor, o bien lanzarse con paracaídas desde el propio globo.

También es frecuente la presencia de otros elementos, como flores, banderas, efectos de iluminación, pirotecnia, liberación de palomas , o bien lanzar desde el globo objetos al público, como poesías, estampas, juguetes, caramelos, etc. A finales del siglo XVIII empezaron a producirse pequeñas variaciones en el globo aerostático encaminadas a embellecerlo o darle diversas formas, para acentuar su carácter de exhibición: Testu-Brissy sustituyó en la cesta del globo por un caballo , y Lhomond creó por las mismas fechas diversos globos con forma de figuras humanas.

Se distinguen en el espectáculo aerostático dos variantes: el tripulado y el no tripulado; dentro del primero existen el globo libre y el cautivo, y en el segundo las diferencias se dan por el material, principalmente papel y caucho.

En el aerostato libre y tripulado se dan tres etapas: de a fue el nacimiento de esta técnica; de a se produjo su consolidación, con un vuelo tradicional con cesta y utilizando preferentemente el hidrógeno; y de a se dio una evolución hacia una mayor libertad y fantasía, sustituyendo a veces la cesta por otros elementos carruajes, trapecios, anillas gimnásticas, figuras de animales, incluso un cañón que era disparado desde las alturas , y con preferencia por el aire caliente.

Desde el globo aerostático ha perdido un poco su carácter espectacular, y ha pasado más a usarse relacionado con el aspecto deportivo, compaginado con una explotación comercial derivada del alto coste de estos aparatos. El globo cautivo fue utilizado originalmente con fines militares, como puesto de observación, pero pronto pasó al terreno civil con el mismo propósito, que la gente pudiera elevarse a cierta altura para observar el horizonte, siendo entonces muy frecuente en ferias y parques de atracciones.

En el siglo XIX se construyeron globos cautivos que podían albergar hasta cuarenta personas y elevarse a metros de altura, como el construido por Giffard para la Exposición Universal de París de Los globos no tripulados tienen también un carácter marcadamente festivo, como atracción principal o como complemento de otras celebraciones.

Los de papel derivan del método ideado por los hermanos Montgolfier, siendo en principio de confección casera, y elaborados de forma artesanal desde Ya en fueron utilizados en la ceremonia de coronación de Carlos IV de España , siendo desde entonces elementos característicos de cualquier celebración, en sus dos variantes: esférica «forma de pera» o «forma grotesca» personajes, animales.

Los globos de caucho provienen de la técnica de Jacques Charles, siendo en principio de vitela , y de goma elástica o caucho desde También pueden adoptar numerosas formas y colores, siendo un elemento festivo presente en muchas celebraciones de forma individual o junto a otros elementos, y usado también en meteorología y otras actividades.

Llamados a menudo «aerostatos de salón», los globos son imprescindibles hoy día en cualquier evento infantil, convertidos muchas veces en auténticos juguetes para los niños.

En espectáculos aéreos suelen usarse en grandes cantidades, siendo liberados al unísono para conseguir el efecto deseado. El peinado ha sido a lo largo de la historia uno de los principales rasgos definitorios del ser humano, reflejo de su cultura y su personalidad, pudiendo significar tanto un estilo personal como social, ya que a menudo el peinado, junto con el vestido y otros factores, suponen una seña distintiva de un determinado grupo social o etnia , a la vez que en muchas sociedades también cumple un papel distintivo de los dos sexos, o incluso de las diversas edades del ser humano.

La diferenciación sexual es una de las más marcadas, y así como las mujeres suelen dar más importancia al cuidado y ornamentación de su cabello, los hombres —especialmente desde el siglo XIX — suelen ser más prácticos y sencillos.

La diferencia entre hombre y mujer ha ido evolucionando con el tiempo, pero a día de hoy una de las más marcadas es la preferencia del hombre por el pelo corto, y de la mujer por el largo. La diferencia generacional también es perceptible en numerosas sociedades, siendo más marcada igualmente en la mujer que en el hombre.

En la infancia predominan elementos como los flequillos, las trenzas y las coletas; en la juventud, época de rebeldía e inconformismo, es cuando se acentúa la personalidad del individuo, hecho que se refleja en el peinado, con predilección por el pelo muy largo o muy corto, o por las diversas particularidades de peinados de las llamadas tribus urbanas ; en la madurez se tiende a la serenidad, con peinados sencillos de larga durabilidad; por último, en la vejez es determinante el factor de la caída del cabello, así como su encanecimiento, hechos aceptados u ocultados según la persona.

El peinado guarda una estrecha relación con el resto del cuerpo, por lo que es conveniente establecer una serie de parámetros para favorecer una impresión de conjunto, especialmente en la proporción entre el cabello y la altura, y en relación con el cuello y la cara.

Por ejemplo, en relación con las facciones se siguen una serie de recomendaciones: las modernas o exóticas labios gruesos, pómulos salidos admiten prácticamente cualquier peinado; para las clásicas perfil griego se recomienda un peinado moderno, para no dar una imagen anticuada; para las grandes rasgos duros es recomendable un peinado sencillo, que dulcifique el rostro; para las aniñadas es conveniente el pelo corto o recogido.

Para la peluquería son esenciales factores como los utensilios de peinado y los productos químicos para teñir el cabello tintes , limpiarlo champú , suavizante o para darle forma laca , fijador. La tecnología del peinado ha evolucionado desde el simple peine hasta toda una serie de instrumentos para efectuar las múltiples técnicas utilizadas actualmente, con utensilios cada vez más específicos.

Así, por ejemplo, un utensilio como el peine se ido diversificando según su función: peine batidor, para cabellos lisos; peine con púa de hierro, para hacer separaciones en el pelo; peine africano, para cabellos rizados y con permanente; cepillo esqueleto, para dar volumen a cabellos degradados; cepillo térmico, empleado para el brushing.

La química también ha evolucionado desde los productos naturales hasta los sintéticos. Por ejemplo, los productos para coloración se dividen en tres tipos: de origen vegetal alheña , camomila , índigo , nuez de agalla, ruibarbo , campeche , azafrán , de sales metálicas nitrato de plata , sales de plomo y tinturas orgánicas de síntesis parafenilendiamina, paratomilendiamina, paraminofenol, resorcina.

Las técnicas empleadas en peluquería son de diversa índole, y han ido evolucionando con el tiempo. Para el corte, el «sistema directo» es rápido y sencillo, con pocos golpes de tijera para cada posición de la cabeza, y con diversas formas de corte como el vertical, el abatido, a contrapelo, por zonas, a coletas o gradual; la «técnica más tiempo» valora más la observación previa al corte, destacando las particiones del cabello o los remolinos para considerar la globalidad del peinado; la «técnica horizontal» parte de líneas horizontales de cabello, pudiendo hacerse de menos a más con lo que se consiguen movimientos en degradado o de más a menos para melenas o cabellos cortos de capas enteras ; la «técnica plumada» corte pluma y degrafilado pluma se realiza con una tijera dentada, para dar volumen.

Para el teñido, a la coloración tradicional se añadió a mediados del siglo XX el coup de soleil , con tres variedades: mechas, barridos y degradados.

Para dar forma, las principales técnicas son: permanente, un proceso químico que actúa sobre la elasticidad del cabello, a través de un producto rizador y otro neutralizador; marcado, proceso consistente en rizar el cabello con rulos, anillas o moldes; brushing , técnica basada en la aplicación del cepillo con secador, para alisar el cabello, dar forma a las puntas o movimiento a los cabellos largos.

Desde la prehistoria uno de los hallazgos arqueológicos comunes a todos los pueblos de la Tierra es el de un instrumento como el peine, confeccionado con diversos materiales, como hueso , madera , concha , etc. Se conocen algunos peinados prehistóricos gracias principalmente a figuras escultóricas, como la Dama de Brassempouy , de cabellos trenzados y envueltos en una redecilla.

Muchos de estos peinados son aún perceptibles en pueblos primitivos: en Sudán las mujeres casadas se distinguen de las solteras por peinarse con trenzas; en Melanesia se peinan en forma de torre y se tiñen el cabello de ocre rojizo; en Senegal las mujeres se confeccionan un peinado llamado gossi , con trenzas de pita negra; en Nigeria tienen tal cantidad de peinados que les ponen nombre: «gas de sol», «cascada sobre la oreja», «sin piernas», «perro agachado», «cesto de ropa sucia».

En Egipto el peinado traslucía la posición social, y comenzó la costumbre de rasurarse la cabeza, principalmente el faraón , nobles y sacerdotes, ya que su posición estaba por encima del hombre corriente, y el peinado tiene un carácter eminentemente humano. Paralelamente, surgió el uso de pelucas , que desde un simple postizo con el tiempo fueron ganando complejidad, convirtiéndose en tocados que podían incluir joyas u otros adornos.

Por lo general, los hombres se dejaban el pelo hasta el hombro, sujeto con una cinta en la frente, mientras que las mujeres llevaban el pelo más largo y peinado en moños o cintas trenzadas. Los egipcios desarrollaron enormemente las técnicas de peluquería, siendo los inventores de la permanente —que realizaban con barro —, y perfeccionando las técnicas de tinte de cabello, preferentemente caobas y rojizos.

En Grecia también se otorgó mucha importancia a la peluquería, y junto al pelo se arreglaban la barba y las uñas , siendo también frecuente teñirse el pelo, especialmente de rubio. Hipócrates , el padre de la medicina , cuenta en uno de sus tratados instrucciones para el cuidado y conservación del pelo.

Los hombres solían llevar el pelo rizado, a menudo ceñido con una venda, y hacia el siglo V a. comenzaron a rasurarse la barba.

Las mujeres llevaban gran cantidad de bucles y trenzas, y ambos sexos solían utilizar sombreros, como el célebre gorro frigio.

En Roma el oficio de la peluquería empezó a especializarse, surgiendo diversas profesiones encaminadas a un determinado aspecto del cuidado del cabello: cosmetas , encargadas del peinado; cinofles , ocupadas del teñido; cinerarias , que cuidaban y calentaban las tenacillas; calamistas , especializadas en ondular el cabello y colocar crepé u otros postizos; psecas , dedicadas a dar los últimos retoques.

Smithson creó una espiral de piedras y tierra que se extiende hacia el agua. Como toda obra perteneciente al denominado Land Art , está fuertemente sometida a los agentes climáticos, hecho previsto por los artistas realizadores de este arte que ya desde un principio saben que la duración de su obra será muy limitada.

La forma y el tamaño de la obra cambian con las fluctuaciones del nivel del agua, lo que la convierte en un ejemplo perfecto de la impermanencia. Este proyecto consistió en instalar más de 7, puertas de tela de color a lo largo de los senderos del Central Park en Nueva York.

Durante 16 días, los visitantes pudieron pasear bajo estas puertas que agregaron un toque efímero y colorido al paisaje urbano. Esta instalación interactiva permitía a los visitantes caminar por una habitación de lluvia constante sin mojarse.

Sensores detectaban la presencia de las personas y creaban un espacio seco a su alrededor, lo que transformaba la experiencia de la lluvia en algo sorprendente y efímero. Durante un periodo limitado, las personas podían caminar sobre el agua, creando una experiencia efímera e impresionante.

La obra se basó en una tragedia real y capturó la atención debido a su contenido y los materiales utilizados. Durante 24 horas, todos los relojes se sincronizan, creando una experiencia efímera que refleja el paso del tiempo. Estas son solo algunas de las obras de arte efímero notables que han desafiado la idea tradicional de permanencia en el arte.

Para ello necesitan mucho más apoyo, facilidades y que las gestiones de permisos sean más dinámicas. Sak reivindica que los artistas son ellos y que muchas veces se les ponen pautas a seguir que vienen dadas por gente que no tiene esos conocimientos.

La conservación de los diferentes murales repartidos por la ciudad no es un plan que de momento se enmarque en el proyecto. Hoy la mayoría de las intervenciones están en mal estado o pisadas por otros grafitis. Sak considera primordial la conservación en este tipo de proyectos que intentan dar una buena imagen al arte urbano que en su mayoría de veces es categorizado como vandalismo.

Grafiti parcheado por otro en la Punta Lequerica. Las generaciones venideras de Xixón son otro problema en el grafiti y la ciudad para Sak. Ahora observa con tristeza como surge una cultura diferente grafiti, más asociada a los actos de vandalismo que ha al arte, porque los jóvenes no tienen referencias en las que basarse.

Con los ánimos decaídos este artista urbano y la gran mayoría de su gremio se sienten derrotados por las trabas con las que se encuentran para crear y acaban dejando en un segundo plano el grafiti. Este plan que fue planteado en , aprobó el comienzo de la muralización de espacios en y tiene planes de que se alargue hasta y convertir en arte otros espacios de la ciudad.

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